(CNN) – La pregunta más común que el curador Edward Bleiberg envía a los visitantes de las galerías de arte egipcio del Museo de Brooklyn es una pregunta directa pero saliente: ¿por qué se rompen las narices de las estatuas?
Bleiberg, quien supervisa las extensas colecciones de arte egipcio, clásico y antiguo del Oriente Próximo del museo, se sorprendió las primeras veces que escuchó esta pregunta. Había dado por sentado que las esculturas estaban dañadas; su formación en Egiptología alentó a visualizar cómo se vería una estatua si todavía estuviera intacta.
Podría parecer inevitable que después de miles de años, un antiguo artefacto mostrara desgaste. Pero esta simple observación llevó a Bleiberg a descubrir un patrón generalizado de destrucción deliberada, que apuntaba a un conjunto complejo de razones por las que la mayoría de las obras de arte egipcio se desfiguraron en primer lugar.
La investigación de Bleiberg es ahora la base de la conmovedora exposición “Poder llamativo: iconoclasia en el antiguo Egipto”. Una selección de objetos de la colección del Museo de Brooklyn viajará a la Pulitzer Arts Foundation más adelante este mes bajo la codirección de la curadora asociada de esta última, Stephanie Weissberg. Combinando estatuas y relieves dañados que datan del siglo 25 a.C. al siglo I d. C. con sus homólogos intactos, el espectáculo da testimonio de las funciones políticas y religiosas de los antiguos artefactos egipcios y de la cultura arraigada de iconoclasia que condujo a su mutilación.
En nuestra propia era de contar con monumentos nacionales y otras exhibiciones públicas de arte, “Poder llamativo” agrega una dimensión pertinente a nuestra comprensión de una de las civilizaciones más antiguas y duraderas del mundo, cuya cultura visual, en su mayor parte, se mantuvo sin cambios por varios milenios. Esta continuidad estilística refleja, y contribuyó directamente, a los largos tramos de estabilidad del imperio. Pero las invasiones de fuerzas externas, las luchas de poder entre los gobernantes dinásticos y otros períodos de agitación dejaron sus cicatrices.
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“La consistencia de los patrones donde se encuentra el daño en la escultura sugiere que es útil”, dijo Bleiberg, citando innumerables motivaciones políticas, religiosas, personales y criminales por actos de vandalismo. Discernir la diferencia entre daño accidental y vandalismo deliberado se redujo a reconocer tales patrones. La nariz que sobresale en una estatua tridimensional se rompe fácilmente, reconoció, pero la trama se complica cuando los relieves planos también tienen narices aplastadas.
Es importante señalar que los antiguos egipcios atribuían importantes poderes a las imágenes de la forma humana. Creían que la esencia de una deidad podía habitar en una imagen de esa deidad o, en el caso de simples mortales, parte del alma de ese ser humano fallecido podría habitar en una estatua hecha para esa persona en particular. Estas campañas de vandalismo tenían como objetivo “desactivar la fuerza de una imagen”, como lo expresó Bleiberg.
Las tumbas y los templos eran los depósitos de la mayoría de las esculturas y relieves que tenían un propósito ritual. “Todos ellos tienen que ver con la economía de las ofrendas a lo sobrenatural”, dijo Bleiberg. En una tumba, sirvieron para “alimentar” a la persona fallecida en el próximo mundo con regalos de comida de este. En los templos se muestran representaciones de dioses recibiendo ofrendas de representaciones de reyes u otras élites capaces de encargar una estatua.
“La religión estatal egipcia”, explicó Bleiberg, fue vista como “un arreglo donde los reyes en la Tierra proveen a la deidad, y a cambio, la deidad cuida de Egipto”. Las estatuas y los relieves eran “un punto de encuentro entre lo sobrenatural y este mundo”, dijo, solo habitado o “revivificado” cuando se realiza el ritual. Y los actos de iconoclasia podrían interrumpir ese poder.
“La parte dañada del cuerpo ya no puede hacer su trabajo”, explicó Bleiberg. Sin nariz, el espíritu de la estatua deja de respirar, por lo que el vándalo lo está “matando”. Martillar las orejas de una estatua de un dios no le permitiría escuchar una oración. En las estatuas destinadas a mostrar a los seres humanos que hacen ofrendas a los dioses, el brazo izquierdo, que se usa más comúnmente para hacer ofrendas, se corta para que la función de la estatua no pueda realizarse (la mano derecha se encuentra a menudo en las estatuas que reciben ofrendas) .
“En el período faraónico, hubo una clara comprensión de lo que se suponía que debía hacer la escultura”, dijo Bleiberg. Incluso si un pequeño ladrón de tumbas estaba mayormente interesado en robar los objetos preciosos, también le preocupaba que la persona fallecida pudiera vengarse si no se mutilaba su imagen.
La práctica predominante de las imágenes dañinas de la forma humana, y la ansiedad que rodea a la profanación, se remonta a los comienzos de la historia egipcia. Las momias dañadas intencionalmente del período prehistórico, por ejemplo, hablan de una “creencia cultural muy básica de que dañar la imagen daña a la persona representada”, dijo Bleiberg. Del mismo modo, los jeroglíficos de instrucciones proporcionaron instrucciones para los guerreros que están a punto de entrar en batalla: crear una efigie de cera del enemigo y luego destruirla. Una serie de textos describe la ansiedad de que su propia imagen se dañe, y los faraones emitieron decretos con penas terribles para cualquiera que se atreviera a amenazar imágenes a su semejanza.
De hecho, “la iconoclasia a gran escala (…) fue principalmente un motivo político”, escribe Bleiberg en el catálogo de la exposición “Poder llamativo”. Las estatuas desfasadas ayudaron a los gobernantes ambiciosos (y a los posibles gobernantes) a reescribir la historia en su beneficio. A lo largo de los siglos, este borrado a menudo se produjo según líneas de género: los legados de dos poderosas reinas egipcias cuya autoridad y mística alimentan la imaginación cultural, Hatshepsut y Nefertiti, se borraron en gran parte de la cultura visual.
“El reinado de Hatshepsut presentó un problema para la legitimidad del sucesor de Thutmose III, y Thutmose resolvió este problema al eliminar virtualmente toda la memoria imaginaria e inscrita de Hatshepsut”, escribe Bleiberg. El marido de Nefertiti, Akhenaton, trajo un raro cambio de estilo al arte egipcio en el período de Amarna (1353-36 aC) durante su revolución religiosa. Las sucesivas rebeliones producidas por su hijo Tutankamón y sus semejantes incluyeron la restauración del culto al dios Amón durante mucho tiempo. “La destrucción de los monumentos de Akhenaton fue, por lo tanto, completa y efectiva”, escribe Bleiberg. Sin embargo, Nefertiti y sus hijas también sufrieron; estos actos de iconoclasia han ocultado muchos detalles de su reinado.
Los antiguos egipcios tomaron medidas para salvaguardar sus esculturas. Las estatuas se colocaron en nichos en tumbas o templos para protegerlos en tres lados. Estarían asegurados detrás de una pared, sus ojos alineados con dos agujeros, antes de lo cual un sacerdote haría su ofrenda. “Hicieron lo que pudieron”, dijo Bleiberg. “Realmente no funcionó tan bien”.
Hablando de la inutilidad de tales medidas, Bleiberg evaluó la habilidad demostrada por los iconoclastas. “No eran vándalos”, aclaró. “No fueron imprudentes”. De hecho, la precisión específica de sus cinceles sugiere que eran trabajadores calificados, entrenados y contratados para este propósito exacto. “A menudo en el período faraónico”, dijo Bleiberg, “en realidad es solo el nombre de la persona a la que se dirige, en la inscripción. ¡Esto significa que la persona que está haciendo el daño puede leer!”.
La comprensión de estas estatuas cambió con el tiempo a medida que cambiaban las costumbres culturales. En el período cristiano temprano en Egipto, entre los siglos I y III d.C., los dioses indígenas que habitaban las esculturas eran temidos como demonios paganos. Para desmantelar el paganismo, se atacaron sus herramientas rituales, especialmente las estatuas que hacen ofrendas. Después de la invasión musulmana en el siglo séptimo, según los estudiosos, los egipcios habían perdido el miedo a estos antiguos objetos rituales. Durante este tiempo, las estatuas de piedra se recortaron regularmente en rectángulos y se usaron como bloques de construcción en proyectos de construcción.
“Los templos antiguos se veían como canteras”, dijo Bleiberg, y señaló que “cuando uno camina por El Cairo medieval, se puede ver un objeto egipcio mucho más antiguo construido en una pared”.
Tal práctica parece especialmente escandalosa para los espectadores modernos, considerando nuestra apreciación de los artefactos egipcios como obras maestras de bellas artes, pero Bleiberg se apresura a señalar que “los antiguos egipcios no tenían una palabra para ‘arte’. Se habrían referido a estos objetos como ‘materiales’. “Cuando hablamos de estos artefactos como obras de arte, dijo, los descontextualizamos. Sin embargo, estas ideas sobre el poder de las imágenes no son propias del mundo antiguo, observó, refiriéndose a nuestra propia época de cuestionar el patrimonio cultural y los monumentos públicos.
“Las imágenes en el espacio público son un reflejo de quién tiene el poder de contar la historia de lo que sucedió y lo que se debe recordar”, dijo Bleiberg. “Estamos presenciando el empoderamiento de muchos grupos de personas con opiniones diferentes sobre cuál es la narrativa adecuada”. Quizás podamos aprender de los faraones; la forma en que elegimos reescribir nuestras historias nacionales podría tomar solo unos pocos actos de iconoclasia.
“Poder de huelga: iconoclasia en el antiguo Egipto” se encuentra en Pulitzer Arts Foundation en St. Louis, Missouri, del 22 de marzo al 11 de agosto de 2019.